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Neue Mitarbeiterin am Institut: Maximiliane Baumgartner

Maximiliane Baumgartner studierte von 2006 – 2012 Kunst und Kunstpädagogik an der Akademie der Bildenden Künste München. Sie arbeitet als Künstlerin in Malerei, Pädagogik, Kuration und Self-Publishing. 

Von 2015 – 2019 co-initiierte und programmierte sie das Kunstprojekt und den Aktionsraum ‘Der Fahrende Raum’ (Kultur und Spielraum e.V.) in München. In ihrem Interesse an (Gegen-) Öffentlichkeiten und ihren historischen Zusammenhängen innerhalb eines städtischen Raums, entwickelt sie (oft in Kollaboration) künstlerische Aktionsfelder. Seit 2014 arbeitet sie mit pädagogischen Spielsettings und Archiven, recherchiert deren historische Vorläufer und forscht in einem künstlerischen Prozess nach den emanzipatorischen Möglichkeiten kritischer und feministischer Pädagogik und performativen Lernformen. Dabei interessiert sie der Einsatz von Malerei als soziales Handlungsfeld. 

Sie ist Mitinitiatorin des Kunstraums Lothringer13 Florida, in dessen Kollektiv sie von 2014-2017 Ausstellungen und Aktionen organisierte und das Florida Magazin #0–3 mitherausgab. Überdies arbeitet sie seit 2016 gemeinsam mit Alex Wissel an dem Projekt „Courtroom“, einer Malerei- und Publikationsreihe, deren inhaltlicher Ausgangspunkt Gerichtprozesse um rechte Gewalttaten und Strukturen sind. In Zusammenarbeit mit wechselnden Autor*innen untersuchen sie den Gerichtssaal als öffentlichen Raum der Rechtsprechung und wie sich rechte Strukturen darin artikulieren und einschreiben. Baumgartners Arbeiten wurden u. a. in Ausstellungen in der Stadtgalerie Bern, im Studio For Artistic Research, Düsseldorf, in der Galerie Kirchgasse, Steckborn (Schweiz) und im Neuen Essener Kunstverein gezeigt, mit dem auch 2020 ein Katalog bei Motto (Berlin) zu ihrer Arbeit erscheinen wird. Eine weitere Einzelausstellung wird im November dieses Jahres in der Galerie Max Mayer in Düsseldorf folgen. Baumgartner unterrichtete im Rahmen von Lehraufträgen an der Akademie der Bildenden Künste München, so hat sie u.a. das Seminar „Phasenweise nicht produktiv – Performance und Vermittlung“ sowie den gleichnamigen Aktionstag zusammen mit Karolin Meunier organisiert.

Ab Wintersemester 2019 ist Maximiliane Baumgartner nun künstlerisch-wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Kunst & Kunsttheorie. Im WiSe bietet sie die Lehrveranstaltung „Freie Action Settings“ an. 

Freie Plätze im Seminar: Freie Action Settings. Kunst im öffentlichen Raum und Pädagogik zusammendenken

Künstlerische Action Settings, bewegen sich an den Schnittstellen von eigenständiger Setzung, aufwendiger Spielinszenierung und Vermittlung, sie laden zum Partizipieren ein und setzen konkrete Handlungsimpulse. Im Seminar werden ausgewählte historische sowie zeitgenössische Positionen vor dem Hintergrund institutionskritischer und feministischer Perspektiven, gemeinsam besprochen. Beispiele hierfür sind Spielplatzkonzepte der 70er und 80er Jahre, aktionspädagogische Happenings und zeitgenössische Positionen der Aktionskunst (Spielplätze der Group Ludic, das Aktionssetting zur 35. Biennale di Venezia der Gruppe KEKS,die feministischen Lern-Environments Doris Stauffers, Spielstadtkonzepte u.a.). Insbesondere geht es darum, wie Action Settings Öffentlichkeit herstellen, bzw. ihren Umraum kritisch auf Formen von Öffentlichkeit hin befragen, wie sie Teilnehmende in künstlerische Spielprozesse einbinden und in welchem politischen und sozialen Kontext sie darin stehen. Das Seminar wird begleitet von praktischen Übungen und gemeinsam erarbeiteten Entwürfen für Action Settings gegen Ende des Seminars.

Dienstags, 14 – 17.30 Uhr, (14-tägig), Raum Labor für Kunst und Forschung,

Beginn: Di, 15.10. 2019

Dozentin: Maximiliane Baumgartner

FIELD SCHOOL: BERLIN Critical Spatial Investigations into Urban Space

In Kooperation mit Parson, The New School, School for Art and Technology, New York im Rahmen von Cologne Summer / Winter Schools.

Die “Field School: Berlin” thematisiert das heterogene Erleben und Erfahren unseres alltäglichen städtischen Lebensumfeldes und ihren sozio-politischen Bedingungen im posturbanen Raum. Untersucht werden spezifische Momente und Logiken des globalen urbanen Wandels und der Hybridisierung, wie sie in Stadt, Architektur, Nachbarschaften und Alltag in Zusammenspiel mit neuen Technologien zum Ausdruck kommen. Wie werden urbane Transformationsprozesse durch Architektur und gebauten Raum sichtbar, vermittelt und repräsentiert? Wie lassen sich sozio-politische Veränderungen und Raumproduktionen erforschen, darstellen und im Feld der Kunst verhandeln? Welche mittelbaren und unmittelbaren Auswirkungen der digitalen Technologien auf unsere gebaute Lebenswelt sind zu verzeichnen? Wie verändern sich unsere sozialen und urbanen Gefüge?

Ausgehend von diesen Fragen widmet sich die “Field School: Berlin” der Erforschung und Neuverhandlung des urbanen Raums mittels künstlerischer Praktiken als methodisches Werkzeug und verortete Praxis im Kontext der Stadt. Dazu widmen wir uns Theorien des urbanen Alltags, den Konzepten von Raumproduktion, (medialen) Bildpolitiken und Öffentlichkeiten. Durch Strategien wie etwa der Beobachtung, der Psychogeographie und experimentellen Kartografie, des dérive, oder der Critical Spatial Practise, erforschen, analysieren und visualisieren wir die Heterogenität des urbanen Raums, wie sich urbane Bewegungen und öffentliche Räume verändert haben und mögliche Widerständigkeiten innerhalb der Routinen unseres urbanen Alltags.

Die “Field School: Berlin” wird als Kooperation des Labor für Kunst und Forschung, Institut für Kunst und Kunsttheorie der Universität zu Köln mit dem Observational Practices Lab von Parson, The New School, School for Art and Technology, New York durchgeführt. Sie ist konzipiert als transdisziplinäres Kulturaustausch-Projekt, das Studierende aus unterschiedlichen Fächern aus Köln und New York zusammenbringt. Berlin mit seiner vielschichtigen sozio-politischen Geschichte und ihrer sehr sichtbaren Auswirkung auf die Topografie der Stadt, in Verknüpfung mit der aktuellen Bedeutung und Attraktivität für die internationale Kunst- und Kulturszene, bietet dabei einen einzigartigen Ausgangspunkt für diese Auseinandersetzungen.

Die Reise- und Unterkunftskosten werden vom International Office bezuschusst.
Informationen zu Termin und Anmeldung siehe Klips.

Gastkünstlervortrag von Ines Schaber: “Notes on Archives”

Zeitgenössische Positionen künstlerischer Praxis und Theorie

Di, 25.06.2019 | 16:00 Uhr
Labor für Kunst und Forschung
City Passagen, 1. Etage, Dürener Str. 89

Seit fast fünfzehn Jahren beschäftigt sich Ines Schaber auch mit Fragen um das Archiv. Als Teil dieser Auseinandersetzung entstanden sowohl eine Serie von künstlerischen Arbeiten und Fallstudien, als auch Texte und Essays. 2018/19 veröffentlichte sie dazu die (vorerst) fünfteilige Buchserie Notes on Archives, die sie in ihrem Vortrag in Köln vorstellen wird. Dabei wird es auch um Fragen von künstlerischem Arbeiten zwischen Schreiben, Recherche, individueller und kollaborativer Produktion, als auch um Fragen eines „anderen“ Wissens gehen.

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Gastkünstlervortrag von Christine Reifenberger: Feuer Wasser Erde Luft – Chronologie einer künstlerischen Entwicklung

Zeitgenössische Positionen künstlerischer Praxis und Theorie

Do, 06.06.2019 | 18:00 Uhr
Institut für Kunst & Kunsttheorie | Block C | Studio R 0.319
Gronewaldstraße 2 | Köln

Über die langjährige Beobachtung von Naturphänomenen ist in die Bildsprache von Christine Reifenberger eine intensive Beschäftigung mit dem Zyklischen, dem Wachstum und der Auflösung eingegangen.
Das Flüchtig-Bewegte, das sich in einem Moment der höchsten Konzentration zum Bild verdichtet, reflektiert die in der Malerei von Christine Reifenberger dominierenden Aspekte von Licht, Geste, Raum und Materialität. Die Malerin „bewegt“ das Papier zusammen mit der Farbe aus dem Moment heraus. Dies geschieht in einem Akt der Form und Farbsetzung. Papierarbeiten werden im malerischen Prozess durch Wölbungen, Drehungen und Faltungen zu Fragmenten und plastischen Gebilden. Zerstörung und Auflösung des Papiers wird dabei zum bildnerischen Element. Malerei ist so Form gewordenes fluides Material, Momentaufnahme eines Zwischen-zustandes, scheinbar jederzeit bereit, sich zu bewegen, sich aufzulösen oder zu transformieren.

Der Malprozess wird zum Pendelschlag zwischen Minimalismus – das scheinbare
„Nichtstun“ oder „Entstehen lassen“ mit flüssigen Farbschüttungen- und
dem Zulassen von verspielt wuchernden Formen, die mit dem Geist und der
Energie des Barock und Rokoko spielen. Materialimitationen und Irritationen
spielen hierbei eine wichtige Rolle. Seit geraumer Zeit hat Reifenberger dafür
Kupfer, Aluminium, Phosphor, Schwefel und Neonpigmente in ihre Arbeitsprozesse
eingebunden. Papier wird so zu Metall, Stein, Erde, Luft, Wolke, zu
einer volatilen Stofflichkeit.

Christine Reifenberger
1985 – 88 Staatsoper München, Theatermalerlehre
1989 – 97 Studium an den Kunstakademien München
und Düsseldorf
seit 1992 lebt und arbeitet in Köln
Ausstellungen im In- und Ausland

2019 in Köln und im Rheinland noch zu sehen:
ab 25. Aug: FARBE – PAPIER – MALEREI, Verein für aktuelle Kunst,
Oberhausen (group)
ab Okt: Kabinettausstellung – Schenkung von Wolfgang Hanck,
Museum Kunstpalast, Düsseldorf (group)
ab Dez: MATjÖ, Raum für Kunst, Köln (solo)

Gastkünstlervortrag von Michael Jäger: “Wenn man nix sieht schaut man länger hin”

DIE KÜNSTLER SIND ANWESEND
Zeitgenössische Positionen künstlerischer Praxis und Theorie

Do, 09.05.2019 | 18:00 Uhr
Institut für Kunst & Kunsttheorie | Block C | Studio R 0.319
Gronewaldstraße 2 | Köln 

Von Rändern und Präsenz oder ein Klumpen Gold
Übereinander und Sichtbar. Das Schweigen der Bilder ertragen. Abbild sein. Spiegel. Die Nuanciertheit der Farben. Etwas vor Augen führen. Bisher nicht so erschienen. Bild sein. Aus dem Vorherigen. Blau. Dem Auge trauen. Leidenschaft entdecken, verwerfen, zulassen und folgen. Bilder als Bühne. Die Farben der Akteure. Orange. Material der Farbe, die Far- be formen. Die Form, das Wie der Materie, das Was der Materie, der Form. Substanz und Idee verknüpfen. Summe plus Rest. Kraft und Gehalt. Das Gedächtnis an Orte, an Klang,
an Schmecken, an Höhen und Täler. Violett. Das Staunen, der Mehrwert der Erfahrung aus dem Sehen. Wann aus einem Stück Holz ein Stuhl wird. Bewusst. Schwarz. Verantwortung übernehmen. Rot. Die Idee der Werke. Subjektivität. Die Bilder als Speicher, der Orte und Erinnerungen. Weiss. Utopie und Pathos. Grün. Möglichkeit und der Ort dazwischen, die Malerei. Objektivität. Hinsehen, weggehen, teilnehmen, loslassen, erfinden, erweitern. Unbewusst. Zum Punkt der Gewissheit kommen. Wiederholen. Das Aufrichten des Bildes. Gelb. Ein Gegenüber sehen. Präsenz. Was passiert da? Am Ende doch ein Klumpen Gold!
Michael Jäger, April 2019

Michael Jäger
1956 geboren in Düsseldorf
seit 2019 Professur für Bildnerische Grundlagen/Malerei
Kunsthochschule Burg Giebichenstein/Halle

Bild: „Whizz Bang“, Ausstellungsansicht Museum Witten, 2017


Gastkünstlervortrag von Jan Kolata: »Ernste Spiele« – im Atelier des Malers

Do, 11.04.2019 | 18 Uhr
Block C | Studio R 0.319
Gronewaldstraße 2 | Universität zu Köln

DIE KÜNSTLER SIND ANWESEND
Zeitgenössische Positionen künstlerischer Praxis und Theorie

Wenn ich male, liegen die Bildflächen auf dem Boden. Auf die Leinwand geschüttete, dicht pigmentierte Malfarbe und deren Manipulation mit unterschiedlichen, meist aus dem Baumarkt stammenden Geräten (Putzrakel, Fensterwischer, Mikrofasertücher, Flächenstreicher) bilden das Amalgam, aus dem allmählich das Bild erfunden und geformt wird. Nicht die vorgefasste Idee, sondern das bedenkende Handeln mit dem Material führt – wenn es gelingt – in einem vielschichtigen Prozess zum Bild. Den Kairos, den glücklichen Moment, zu erkennen und zu ergreifen, wenn zwischen gewolltem Akt und Zufall sich blitzartig das Bild zeigt – das ist die Aufgabe. (Jan Kolata)

Jan Kolata
1949 geboren in Immenstadt / Allgäu
1970 bis 1977 Kunstakademie Düsseldorf
1975 Meisterschüler von Erich Reusch
2006 bis 2016 Professur für Malerei an der TU Dortmund

Offenes Atelier im Sommersemester 2019

Liebe Studierende,
das Offene Atelier im Labor für Kunst und Forschung steht euch im Sommersemester 2019 jeden Montag von 14.00 bis 17.00 Uhr und nach Vereinbarung zur Verfügung.

Das Offene Atelier kann von allen Interessierten für die eigenständige Projektarbeit genutzt werden. Während der Öffnungszeiten habt ihr die Möglichkeit, im Labor zu arbeiten und künstlerisch-forschende Ideen zu entwickeln und umzusetzen. Ihr findet uns in den City Passagen, nur 2 Gehminuten von der Humanwissenschaftlichen Fakultät entfernt!

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Publikationspräsentation: Ziel Knutschen Europa

Mi, 03.04.2019
19.30 Uhr
Labor für Kunst und Forschung
City Passagen, 1. Etage, Dürener Str. 89

Herzliche Einladung zur Präsentation der “Ziel Knutschen Europa”- Publikation.

Die Publikation entstand im Rahmen der Lehrveranstaltung und Exkursion bei Karina Nimmerfall und Sandra Schäfer zum steirischen herbst ’18 im Wintersemester 2018/19.

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Gastvortrag von Mareike Bernien: Performing the Image

Do, 04.04.2019
18 Uhr
Labor für Kunst und Forschung
City Passagen, 1. Etage, Dürener Str. 89

“To trace a history of tactile looking offers a strategy that can be called upon when our optical resources fail to see.” Laura Marks

Bilder entstehen aus einem Gefüge von Akteur*innen, Technologien, Materialitäten, Blicken und Begehren. Das Visuelle orientiert und per-formiert unsere Körper und Wahrnehmungsweisen, hat Teil an sozialen Ordnungen und deren Überschreitungen. Wir lesen und berühren Bilder, wir sliden, scratchen, scrollen, gehen affektive und identifikatorische Bündnisse mit ihnen ein. Was würde es heißen, Herstellungs- und Wirkungsweisen von Bildern selbst performativ zu untersuchen?
Wie lassen sich die unsichtbar gemachten Formen der Arbeit, ideologischen Einschreibungen und Materialitäten, die unseren visuellen Regimen zugrunde liegen, wieder körperlich ins Bild setzen? Wie können Bildräume erzeugt werden, in denen das Visuelle taktil, der Ton visuell oder eine Beobachtung zum denkenden Handeln werden kann? Räume, in denen Sehen nicht nur als ein Akt des Sehens, sondern auch als ein körperliches Intervenieren und Verschieben bestehender Bildpraxen verstanden wird?

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